RA: Couverture en direct: CTM Festival 2020

samedi

KQB Projektraum

14 h 30 – De l’hédonisme à la domestication: liminalité, endroit cyclique et festival de musique en plein air

Les files d’attente des festivals de musique empirent-elles? Pitchfork a demandé dans un Étude 2017. Après avoir comparé le chevauchement de la programmation de certains des plus grands festivals de l’été, le site de musique a confirmé que les mêmes grands groupes dominaient les mêmes grands festivals à travers le monde. Comment on est venu ici? Voici ce que l’auteur et professeur Chris Anderton a expliqué dans son discours sur la marque communautaire, De l’hédonisme à la domestication: liminalité, lieu cyclique et festival de musique en plein air.

Les festivals de musique appartenaient autrefois à une véritable contre-culture. Sur la scène des festivals gratuits dans les années 1970, les organisateurs se sont déplacés à travers le Royaume-Uni en organisant des festivals non officiels sur des sites aléatoires. Ces événements étaient liminaires et ont attiré des gens qui vivaient un mode de vie vraiment alternatif. Mais à partir des années 90, les festivals sont devenus plus commerciaux. Des entreprises intégrées verticalement comme Live Nation, qui contrôlent la gestion des artistes, la gestion des tournées, les ventes de disques, la billetterie, le marketing d’événements, etc., ont chassé les promoteurs indépendants et réduit la variation du marché. Bientôt, des licences ont été nécessaires pour des raisons de sécurité et les festivals ont construit leurs marques sur des sites permanents. Plus question de «sexe, drogue et misère», les événements se sont assainis. La domestication des festivals marque un changement de ces événements concernant la liberté au capitalisme à longue queue.

Encore, festivals aujourd’hui peut offrir des expériences transgressives. Leur professionnalisation représente la société dans laquelle nous vivons, où plus de sécurité, des toilettes plus propres et moins d’agressions sexuelles ne sont pas du tout des mauvaises choses. Le compromis est que nous ne sommes plus totalement coupés de la réalité. Les gens ont un comportement pour répondre à l’image attendue du festival, que ce soit des couronnes de fleurs à Coachella ou des survêtements hipster à CTM. Nous allons maintenant dans des festivals pour être autour de gens qui nous ressemblent. Ils procurent un sentiment d’appartenance.

Vendredi

Berghain / Saüle

23 h 00 – Fusion Vortex / Evolver indéfini

La tête d’affiche Berghain doit être un excellent moyen de célébrer la sortie de votre premier album dans cinq ans. Le disque est sorti, le stress est fini, il est maintenant temps pour les gens de l’entendre sur l’un des meilleurs systèmes sonores du monde. Squarepusher avait certainement l’air de s’amuser la nuit dernière, rompant de temps en temps le perron de son scientifique pour saluer la piste de danse grouillante d’un mouvement de doigt féroce. Jouant en direct avec un ordinateur portable et d’autres éléments d’équipement invisibles, il a déclenché un raz de marée de rythmes de la jungle cracheuse, de mélodies de science-fiction et de l’étrange pédale techno de 170 BPM. Ceci, comme son dernier single suggéré, était le premier Squarepusher. Des charleston surgirent de nulle part avec la force des mitrailleuses. Des stroboscopes et des bandes lumineuses colorées pétillaient en synchronisation avec les airs. La foule a répondu viscéralement, les yeux fermés, les membres sur les hanches, tout leur corps dévoué à l’expérience. Les rugissements et les sifflets de la taille du festival ont rencontré le silence de clôture, alors que l’artiste britannique s’inclinait et soufflait des baisers.

Dans les entrailles de l’immeuble, à Säule, l’ambiance était plus modérée, même si les gens dansaient avec non moins de conviction. 3Ddancer, le trio modulaire en direct d’Alex The Fairy, Rachel Lyn et Volruptus, était au milieu d’un ensemble de huit heures, débordant de rythmes techno nets, de lignes de basse électro et de myriades de synthés et de gargouillements de synthés, certains sons en mouvement, d’autres presque comiques. À un moment donné, Volruptus se retourna, attrapa une poignée de nourriture et la fourra dans sa bouche, le carburant pendant les nombreuses heures à venir.

Carlos Hawthorn

KQB Studio 1

16 h – Voix sans corps: technologie et musique trans

Présentant les idées de leur prochain livre, Glitter Up The Dark: Comment la musique pop a brisé le binaire, l’écrivain et critique Sasha Geffen a plaidé pour le rôle de la technologie dans la musique trans. Nous faisant progresser au-delà des «chanteurs castrats», où la castration était effectuée avant la puberté pour garantir que les jeunes chanteurs masculins maintiennent et développent leurs voix uniques, la technologie a permis aux artistes de s’épanouir en dehors des contraintes physiques du corps. Des expérimentations de synthé de la pionnière Moog Wendy Carlos et Laurie Anderson à la «traînée audio» alimentée par le vocodeur, aux années 90 et 00 «pop cyborg millénaire», les exemples de Geffen couvraient les genres et le temps. Ils ont également expliqué comment des communautés plus marginalisées comme la scène gay de New York dans les années 70 utilisaient la technologie accessible, avec des drag queens et des interprètes de la salle de bal en synchronisation labiale pour animer la voix féminine. Pour un exemple moderne, ils nous ont joué des extraits de la vidéo « It’s Okay To Cry » de SOPHIE, montrant sa synchronisation labiale ornée de joues prothétiques pointues et d’un manteau sain de brillant à lèvres rouge. C’est le premier morceau où SOPHIE fait sa propre voix et continue son long héritage d’esquiver les boîtes et les binaires. Avec cette vidéo, Geffen a noté que SOPHIE « subvertit l’idée que la transness est avant ou après. Au lieu de cela, c’est un devenir perpétuel ».

Slater Maya-Roisin

KQB Projektraum

15h30 – Clubbing durable: vie nocturne, ODD de l’ONU et visions pour 2030

La salle était pleine et chaude lorsque Diana Raiselis, chercheuse à Clubcommission Berlin, a commencé son discours sur le clubbing durable. Discuter de la durabilité de la culture du club invite souvent au scepticisme. Comment notre parti fait-il une différence? Dans le cadre d’une étude de cas sur l’impact qu’un club peut avoir, SchwuZ, le spot gay de Berlin, a été présenté lors de la conférence. Avec l’aide de Clubtopia, une organisation qui promeut la durabilité environnementale dans les clubs, SchwuZ est passée à l’électricité d’origine renouvelable et a mis en œuvre d’autres stratégies d’économie d’énergie. On estime que ces changements à eux seuls ont permis d’économiser huit tonnes d’émissions de CO2, suffisamment pour faire taire mon sceptique intérieur.

Vers la fin de la conférence, les membres du public ont été invités à se tourner vers leurs voisins et à discuter des moyens par lesquels nous avons été autorisés à construire un écosystème musical plus durable. Artistes, promoteurs, journalistes et fêtards ont partagé leurs réflexions. La conversation s’est terminée sur une note d’espoir. « Nous pouvons construire des pratiques durables en établissant des relations », a déclaré Raiselis.

KQB Projektraum

16 h 30 – À la recherche de pratiques plus vertes

Pour le panneau intitulé À la recherche de pratiques plus vertes, Eilidh McLaughlin, Jacob Bilabel, Juan Arminandi, Ruggero Pietromarchi et Gigsta ont partagé leurs expériences et leurs idées sur ce que la communauté de la musique dance pourrait faire face à la crise environnementale. La discussion a été animée par le journaliste Chal Ravens, qui a écrit un fonctionnalité sur le sujet l’année dernière pour Conseiller résident.

L’artiste indonésien Juan Arminandi a présenté un court set live avec des instruments qu’il a lui-même construits inspirés par la brume de la forêt en feu dans sa ville natale. Gigsta a partagé son expérience de «concerts lents», où elle essaie de se rendre aux concerts uniquement en train. « Les musiciens sont des exemples en quelque sorte », a-t-elle déclaré. « Nous entrons dans cette profession et acceptons qu’il est normal de voler aussi souvent, alors que ce n’est pas le cas. Cela signifie dire non à beaucoup de concerts, mais je suis vraiment content de la décision que j’ai prise. »

Il y a eu un débat impliquant les panélistes et le public pour savoir s’il s’agissait d’un problème systémique ou d’une question de responsabilité individuelle. « Il existe des solutions descendantes et ascendantes, et cela doit se produire aux deux niveaux », a déclaré McLaughlin, cofondateur du projet de compensation carbone. Scène propre.

Pietromarchi, le directeur créatif de Festival Terraforma en Italie, a ajouté: « J’ai vu les attitudes des gens à propos de l’environnement changer avant et après le festival. Les festivals peuvent avoir un pouvoir transformateur sur quelqu’un. Nous n’oublions pas nos vies dans les festivals. On nous rappelle comment la vie pourrait être.  »

Agathe Blume

Jeudi

Berghain / Panorama Bar

22 h 00 – Ombre Twirl / Phantom Flare

Étant donné la passion de Berlin pour les cigarettes, l’interdiction de fumer imposée par la CTM la nuit dernière à Berghain n’était pas une mince affaire. Cela montre à quel point la relation entre le festival et le lieu s’est rapprochée au fil des ans. CTM pousse continuellement le club hors de sa zone de confort, le présentant dans de nouveaux contextes passionnants. Berghain sans cigarettes. Berghain avec des clowns. Et, hier soir, Berghain en tant qu’église, amenant la métaphore classique à sa conclusion naturelle avec une performance du chœur national de Géorgie, l’Ensemble Bassiani. Après avoir absorbé leurs harmonies vocales complexes, qui, sous l’œil vigilant de Nene H, ont atteint le niveau d’un opéra techno, je me suis dirigé à l’étage pour quelque chose de plus démoniaque.

J’espère que tous les puristes sont assis pour ce morceau suivant. Jouant d’abord au Panorama Bar, Born In Flamez s’est embarqué dans un club et des montagnes russes aux influences de rap, qui ont culminé avec Remix du Verseau du hit de la carte « Old Town Road » par Lil Nas X. J’étais satisfait, ayant finalement pu rapidement identifier une piste dans ce lieu abandonné. AYA, également DJ, est venue ensuite, jouant ses propres morceaux ainsi qu’une sélection audacieuse de montages et de mash-ups (« Où est votre tête? » De Basement Jaxx). Elle nous a emmenés dans un voyage à travers la culture rave-pop avec un panache absolu. Elle a coupé le son pour que le public puisse chanter, a encouragé les gens à acheter sa musique et nous a fourni des commentaires coquins tout au long. « Elle a vraiment fait bouger les choses au Panorama Bar, n’est-ce pas? » Plaisanta-t-elle en souriant dans le micro. Pour finir, elle sauta sur le stand, attrapa sa bouteille de bière et la lui versa sur la tête. J’ai vu deux dévots au premier rang faire de même.

Si Panorama Bar nous a donné une explosion de la culture pop, le live d’Andy Stott à Berghain a présenté une inversion de la culture pop. L’artiste Modern Love a livré une techno crasseuse et désintégrante, qui se sentait parfaitement adaptée à l’espace. La musique était simple et industrielle, avec une fuzz globale qui signifiait que chaque morceau vous frappait comme une brique. Berghain était dans son élément. Le pont à l’arrière était plein de danseurs, les paumes appuyées contre les murs métalliques en cage. Les gars dans la soixantaine ont fait le pas. Quelqu’un vogué par les toilettes. Un homme dans la version papa en cuir d’un Déguisement Marvin le Martien arpenté son domaine. Cette partie de la nuit n’était dominée par aucune scène ou groupe. Au lieu de cela, il a réuni tous les différents danseurs du bâtiment pour une session techno trempée de sueur.

HAU2

19 h 30 – Vague Dilation

Quand je suis entré dans le hall de HAU2, il était tellement bondé que j’ai dû m’asseoir dans les escaliers. Ghazi Barakat et Dani Gal ont rapidement commencé leur émission en direct, « Altered State Solution ». Les transmissions radio et la distorsion du bruit qui l’accompagne, qui représentaient les signaux radio bloqués de l’autre côté du rideau de fer pendant la guerre froide, étaient au cœur de la performance. Les instruments à cordes et à tuyaux ont ajouté une mélodie cacophonique, la musique équilibrant constamment entre cohérence et dissonance. J’étais absorbé.

Après une pause, le duo iranien NUM basé à Tbilissi a également joué en direct. Leur spectacle, « Nothingness, Life, Nothingness », a commencé avec des éléments bruts comme le son des gouttes de pluie et des pas, avant de progresser lentement vers des moments d’ambiance calme et de bruit écrasant. Des images fortes d’une promenade à la première personne dans la forêt se transformant en voyage accompagnaient étroitement l’audio. C’était, parfois, beaucoup à absorber.

L’événement s’est terminé avec Afrorack, l’un des pionniers du synthé modulaire en Afrique. Avec une dextérité impressionnante, il passe de l’abstraction à l’acide, de la techno à la percussion rythmique. J’étais content d’avoir apporté mes bouchons d’oreille.

Agathe Blume

Mercredi

KQB Projektraum

17h – Solidarité critique – Comment favoriser le dialogue entre musiciens et journalistes?

C’était une salle comble pour rédacteur en chef, journaliste et Jockey Slut table ronde de la cofondatrice Emma Warren sur la promotion du dialogue entre journalistes et musiciens. Aida Baghernejad et Angus Finlayson ont représenté les écrivains, tandis que Lyra Pramuk et Aquarian l’ont tenue pour les artistes. La discussion a défini des objectifs mutuellement convenus pour le journalisme musical: archiver le travail, fournir un contexte et faire la lumière sur des choses qu’un artiste peut ne pas voir dans sa propre musique.

Les défis et les plaintes des deux côtés semblaient refléter l’évolution du paysage médiatique musical et le manque de ressources qui ont suivi. Warren a noté que, malgré le coût de la vie qui continue d’augmenter, les tarifs de nombreuses publications n’ont pas changé depuis 15 ans. Aquarian a exprimé sa frustration face au travail des artistes qui se sentent bloqués uniquement à recevoir des nouvelles ou à revoir la couverture de leur travail tandis que les possibilités de fonctionnalités plus approfondies semblent minces, voire nulles.

Curieusement, des plaintes similaires avaient été soulevées quelques heures plus tôt dans l’atelier interactif sur le journalisme culturel dans un paysage médiatique changeant, mais cette fois par de jeunes journalistes. Cela a prouvé qu’au bout du compte, les gens qui poussent sur les boutons et ceux qui écrivent sur les boutons ne sont pas si différents après tout.

Berghain Säule

22 h – Absurde TRAX VS Selam X

Il y avait quatre bouteilles ouvertes Mate Mate à portée de main de l’artiste multimédia basé à Hong Kong Nerve tout au long de son ensemble, bien qu’il y ait peu d’énergie dans l’ambiance dense et granuleuse avec laquelle il a ouvert. Avec l’aide de ce buzz brumeux, la Säule souvent sous-estimée se sentait particulièrement à l’aise. Des projections colorées ajoutaient du piquant aux piliers en béton et d’immenses bougies de la taille d’un avant-bras illuminaient le bar. Mais malgré les vibrations douillettes de Manhattan-collector-loft et l’intensification des pépins de Nerve, j’ai finalement dû me forcer à monter le haricot géant dans la pièce au-dessus.

Berghain

21 h – Entre les extrémités

Ce n’est pas souvent que vous confondez un artiste ambiant avec Lady Gaga, mais en regardant xin sur scène, enveloppé de plis de tissu rouge avec un masque opaque assorti, il était difficile de ne pas se demander s’il y avait eu un changement de programmation de dernière minute. Mais alors que le brouillard déconstructionniste de xin plongeait la pièce dans une cacophonie de chœurs synthétiques et de références rave recousues, je me sentais béni que Gaga n’ait pas tiré un Kylie. Lecture de morceaux de leur album 2019, Fond dans l’amour, la leur est la musique des souvenirs, comme quitter le club un matin gris avec des morceaux de basse et des éclats de pauses qui résonnent dans vos oreilles. Cet état de confusion câlin était la suite parfaite de ce qui allait suivre.

« Si vous m’aviez dit que je verrais des clowns à Berghain ce matin, je ne vous aurais pas cru », murmura un ami à mon oreille alors que nous regardions le visage poudré d’un interprète en hystérie. Ce qui a commencé comme un simple rire de bande dessinée s’est rapidement épanoui en de nombreux projecteurs, tandis que des projecteurs se sont abattus sur la foule serrée, révélant des clowns, des clowns et d’autres clowns. Pas de quoi rigoler, de Rubén Patiño et Kay Schuttel, inspiré de loin par le moment le plus euphorique que j’ai jamais eu à Berghain. Alors que je sautais de joie, je regardais les gens essayer de danser sur le déploiement dérangé d’échantillons de Patiño ou, dans le cas d’un couple derrière moi, embrasser passionnément les caquetages. Avec cette performance, Patiño et Schuttel ont réalisé ce qu’ils voulaient faire: explorer le son acousmatique et la présence physique. Mais surtout, ils ont exécuté le genre de blague cosmique dont nous avons plus besoin dans ces espaces. Alors que les touristes et les fans de musique de danse faisaient la queue à l’extérieur, gardant le visage droit de peur d’atterrir un « heute leider nicht », qui était vraiment à l’intérieur? Clowns. Clowns souriants et gloussants.

Slater Maya-Roisin

vert silencieux – Betonhalle 1

20 h 00 – Tchernobyl

L’une des choses qui ont fait la série HBO Tchernobyl La bande originale de Hildur Guðnadóttir était si bonne, ce qui a créé un sentiment d’anxiété presque constant dans les cinq épisodes. Lorsque la version live de la partition gagnante d’un Grammy de Guðnadóttir a fait ses débuts à Unsound l’année dernière, elle a eu lieu dans une usine brute, qui sera bientôt démolie. Sa deuxième exposition a eu lieu au CTM, à Betonhalle, un ancien crématoire de Wedding.

C’était un espace bien choisi. Les invités entraient par un long couloir en pente descendante avec des lumières vacillantes. Guðnadóttir a été rejoint sur scène par Chris Watson (jouant dans un « groupe » pour la première fois depuis Cabaret Voltaire), Sam Slater et Francesco Donadello. Leur performance, qui s’appuyait sur l’instrumentation acoustique, la spatialisation du son et les enregistrements réalisés dans la centrale soeur de Tchernobyl en Lituanie, a été enrichie par un ensemble de lumières en constante évolution (contrôlées en direct par Theresa Baumgartner) et l’espace vide et enfumé. À un moment donné, la musique a évoqué le son du crépitement d’un compteur de rayonnement. (Ceux qui ont vu Tchernobyl saura à quel point ce son est utilisé dans la série.) L’effet était effrayant.

Je laisse mon esprit vagabonder vers des moments de la série qui sont gravés dans mon esprit: des hommes qui pellent désespérément du graphite sur le toit; les sombres discussions entre les responsables de l’usine le soir de la catastrophe; les gens regardent la lueur étrange de l’explosion d’un pont. C’était une façon captivante de revisiter et de réinventer une série télévisée captivante.

Aaron Coultate

KQB Studio 1

17 h 00 – Séance de méditation sur le bain sonore

Pendant le Connaissance corporelle et états modifiés panneau, Lucy a fait plusieurs liens entre la méditation et la techno. Les deux l’aident à atteindre un autre état d’esprit. Les deux visent à «échapper à la forme linéaire et horizontale de la réalité». Et les deux rassemblent les gens pour «vivre une solitude collective».

Après le panel, Lucy a dirigé un bain de son et une séance de méditation pour le démontrer. Les chaises du KQB Studio 1 ont été remplacées par des tapis de yoga, un seul gong suspendu à l’avant. Au cours des deux heures suivantes, l’artiste techno psychédélique s’est transformé en quelque chose d’autre, conduisant un groupe de 70 personnes à travers des exercices de respiration profonde et de ronflements collectifs, avant de nous guider dans Shavasana pour un spectacle de gong d’une heure. Mon esprit vagabondait, bien sûr, en étant allongé là, les yeux fermés. Mais alors le son riche et grondant du gong retentissait sur ma conscience, devenant parfois si fort qu’il ressemblait à une tempête. Je voulais ouvrir les yeux pour voir comment un instrument pouvait produire une telle force. Mais je me suis souvenu: ce n’était pas une performance typique. C’était une chance de regarder à l’intérieur. J’ai gardé mes paupières fermées.

15 h 30 – Connaissance corporelle et états modifiés

Pour le panneau intitulé Connaissance corporelle et états modifiés, le modérateur Graham St John a demandé à trois artistes très différents comment le rituel, les substances et les états de conscience jouaient dans leur travail. Jessica Ekomane, une musicienne informatisée aux maths, a soigneusement choisi ses mots sur la transe, les illusions acoustiques et le son quadraphonique. Lucy, le patron des objets stroboscopiques, a parlé philosophiquement du croisement entre pranayama, un type de contrôle de la respiration dans le yoga, et la catharsis de jouer une fermeture Berghain de 13 heures.

Le plus éclairé du groupe, cependant, était! Luuli, un DJ psycore basé au Nouveau-Mexique avec une star tatouée sur son front. « Chacun d’entre vous est en transe hypnotique en ce moment », nous a-t-elle dit, se référant aux systèmes de croyances rigides de la vie quotidienne. Sa mission en tant que DJ est de nous libérer, en fournissant une énergie perturbatrice afin que nous dansions comme des maniaques et éradiquions ensemble nos traumatismes les plus profonds – sans avoir à dire ce qu’ils sont. Quelqu’un a demandé si cela devenait dangereux pour les substances psychotropes. ! luuli, qui n’a pas honte d’admettre qu’elle est allée trop loin, a déclaré qu’un certain degré de danger aide à briser les illusions. « L’expérience de la mort imminente est l’une des expériences les plus psychédéliques possibles. »

Steph Lee


Les cubitus sont l’un des contrée les plus populaires et les plus polyvalents pour tatouages. Votre encre existera facile à voir totaux les jours, et vous allez pouvoir la montrer et pourquoi pas la recouvrir d’une chemise dans l’hypothèse ou nécessaire. En raison de sa visibilité, l’avant-bras est un emplacement idéal pour un tatouage significatif. Qu’il s’agisse d’un dessin détaillé sur la manche ou bien d’un aisée dessin, il existe un encrage fantastique qui vous convient parfaitement. De plus, si c’est votre 1er tatouage, il est l’une des parties de votre corps moins douloureuses à passer sous l’aiguille.

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